Интеллектуальные развлечения. Интересные иллюзии, логические игры и загадки.

Добро пожаловать В МИР ЗАГАДОК, ОПТИЧЕСКИХ
ИЛЛЮЗИЙ И ИНТЕЛЛЕКТУАЛЬНЫХ РАЗВЛЕЧЕНИЙ
Стоит ли доверять всему, что вы видите? Можно ли увидеть то, что никто не видел? Правда ли, что неподвижные предметы могут двигаться? Почему взрослые и дети видят один и тот же предмет по разному? На этом сайте вы найдете ответы на эти и многие другие вопросы.

Log-in.ru© - мир необычных и интеллектуальных развлечений. Интересные оптические иллюзии, обманы зрения, логические флеш-игры.

Привет! Хочешь стать одним из нас? Определись…    
Если ты уже один из нас, то вход тут.

 

 

Амнезия?   Я новичок 
Это факт...

Интересно

Кембриджский Тринити-колледж получил больше Нобелевских премий, чем вся Италия.

Еще   [X]

 0 

Художественные течения конца XIX – середины ХХ века. 24 самых известных художника (Мудрова Ирина)

Наша задача: в малом объеме дать читателю максимум полезной информации. В данной книге речь пойдет о художественных течениях конца XIX – середины XX века. Вы познакомитесь с самыми яркими направлениями в искусстве, которыми этот период был особенно насыщен: импрессионизм, экспрессионизм, кубизм, абстракционизм, супрематизм, сюрреализм, фовизм, поп-арт.

Год издания: 2013

Цена: 79.9 руб.



С книгой «Художественные течения конца XIX – середины ХХ века. 24 самых известных художника» также читают:

Предпросмотр книги «Художественные течения конца XIX – середины ХХ века. 24 самых известных художника»

Художественные течения конца XIX – середины ХХ века. 24 самых известных художника

   Наша задача: в малом объеме дать читателю максимум полезной информации. В данной книге речь пойдет о художественных течениях конца XIX – середины XX века. Вы познакомитесь с самыми яркими направлениями в искусстве, которыми этот период был особенно насыщен: импрессионизм, экспрессионизм, кубизм, абстракционизм, супрематизм, сюрреализм, фовизм, поп-арт.
   Вы узнаете о творчестве самых известных представителей этих течений, таких как Винсент ван Гог, Поль Гоген, Клод Моне, Амедео Модильяни, Василий Кандинский, Пабло Пикассо, Анри Матисс, Сальвадор Дали, Энди Уорхол и многие другие.


Художественные течения конца XIX – середины XX века 24 самых известных художника Составитель И.А. Мудрова

   Охраняется законодательством РФ о защите интеллектуальных прав. Воспроизведение всей книги или любой ее части воспрещается без письменного разрешения издателя. Любые попытки нарушения закона будут преследоваться в судебном порядке.

Предисловие

   Авангард в переводе с французского языка обозначает «передовой отряд». Так несколько условно называются все арт-течения, направления, школы, да и творчество отдельных художников, для которых характерны новейшие, экспериментальные взгляды на искусство. Художники-авангардисты отрицают традиции и стремятся к экспериментальному поиску новых форм, направлений и путей творчества. Авангард нельзя назвать художественным стилем, в нем нет единых стилистических признаков. Но всех представителей этого направления, возникшего в начале XX века, объединяло программное, часто выраженное в полемически-наступательной форме противопоставление своего творчества, как традициям существовавшего ранее искусства, так и современным им социально-культурным стереотипам.
   Основными чертами авангардистского направления становится попытка выразить эмоции, содержание через колорит. Оттенки больше не обязаны соответствовать натуральной, природной, естественной цветовой гамме изображаемого объекта. Образы включаются в оригинальные композиции, все чаще зрителю предстают продукты художественного творчества, не имеющие хоть какого-то сюжета.
   Часто своими шокирующими и приземленными работами художники хотели обратить внимание на дикость и бессмысленность жестокостей только что закончившейся Первой мировой войны. Представители авангарда изыскивали свои пути для достижения этих целей.
   К авангардным направлениям в изобразительном искусстве относятся футуризм, кубизм, абстракционизм, супрематизм, конструктивизм, сюрреализм, фовизм. Представители каждого из этих стилей искали источники идей или в архаическом искусстве народов Африки, Азии, древних цивилизаций, в новейших достижениях науки, или в глубинной области своего подсознания. Авангардизм дал миру художников-гениев, чье творчество помогает нам взглянуть на мир новым взглядом.
   Футуризм – течение, возникшее в Италии в самом начале XX века. Несколько позднее художественное мышление художников-футуристов нашло много приверженцев в России. Ими провозглашалась необходимость нового искусства, созданного молодыми. Правда, затем и их творчество было выкинуто вновь пришедшими творцами. Художники-футуристы на своих картинах старались запечатлеть момент движения, изображая для этого множество ног у коня в разном их положении или множество колес у автомобиля, то есть использовали принцип симультанности (для передачи движения на одно изображение накладывали последовательно все фазы движения). Любимой темой их творчества были в основном достижения современной им цивилизации: машины, паровозы, аэропланы. Представители футуристической школы вложили в художественное творчество импульс динамики, полета и скорости. Яркий представитель этого направления – Умберто Боччони.
   Импрессионизм (впечатление) – это одно из основных направлений в живописи, зародившееся во Франции во второй половине XIX века. Импрессионизм – двойная революция в живописи: в видении мира и в живописной технике. В живописи импрессионизма – движущийся, эфемерный, ускользающий мир, поэтому акцент – на уходящее мгновение, и на текущий момент настоящего. Импрессионизм предпочитает свет, прикосновение, цветную вибрацию. Импрессионисты – пионеры и основоположники современного искусства. В стиле импрессионизма писали Эдуард Мане, Эдгар Дега, Клод Моне, Огюст Ренуар, А. Сислей, Камиль Писарро, Базиль, Моризо, американский художник Джеймс Уистлер, Ж. Сера.
   Неоимпрессионизм (пуантилизм) – течение в живописи, возникшее во Франции около 1885 года. Этот термин появился для того, чтобы отличать творчество Сера от импрессионистов. Впоследствии стиль Сера также получил название пуантилизм. Для передачи своего впечатления об изображаемом объекте художники-неоимпрессионисты использовали особый стиль письма, при котором чистые, не смешиваемые на палитре краски наносились мелкими мазками прямоугольной или круглой формы. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем с дальнего расстояния или в уменьшенном виде и придает картинам особое очарование. Его основными представителями были Ж. Сера и П. Синьяк.
   Постимпрессионизм – общий термин, охватывающий вид искусства, которое одновременно и принимает и отвергает некоторые принципы импрессионизма. Начало постимпрессионизма совпадает с кризисом импрессионизма в 80-х годах XIX века. Почти все постимпрессионисты ранее примыкали к импрессионизму. Постепенно художники стали искать новые средства не для выражения сиюминутного и преходящего в жизни – фиксации одного мгновения, что свойственно импрессионизму, а для воплощения неких длительных состояний прекрасного – духовных и материальных. К постимпрессионизму относят творчество таких художников, как де Тулуз-Лотрек, Сезанн, Ван Тог и Гоген.
   Экспрессионизм (выражение) – авангардистское течение в европейском искусстве, получившее развитие в конце XIX – начале XX века. Оно характеризуется тенденцией к выражению эмоциональной характеристики образов или эмоционального состояния самого художника. Основными представителями этого течения в изобразительном искусстве считают Эдварда Мунка, Амедео Модильяни, Эгона Шиле и Франца Марка.
   Символизм – одно из крупнейших направлений в искусстве. Основные мотивы символизма в изобразительном искусстве – вечные темы: смерть, любовь, страдание. Нарочитые салонные банальности тут парадоксально соседствуют с изощренной фантазией – то манерно-утонченной, болезненно-хрупкой, то убеждающе достоверной, как бы осязаемой, то интригующе неопределенной и пугающе алогичной. Образы пугающей, невероятной графики Одилона Редона – одного из основоположников французского символизма, еще дальше ушли как от традиционного реализма, так и от объективного отображения действительности. Это Г. Моро, А. Беклин, Г. Тома, О. Редон.
   Метафизическая живопись – опиралась на образы предшествующего искусства и включала в себя различные культурные элементы прошлого. Два основных принципа метафизической поэтики: «призрачность» и «ирония». Художники стремились найти метафизическую грань между миром живого и неживого, поэтому в их картинах живое похоже на неодушевленное, а неодушевленные предметы живут своей тайной жизнью. Родоначальником метафизической живописи является Джорджо де Кирико. К ним принадлежат Филиппо де Писиса, Алъберто Савинио (псевдоним младшего брата Кирико) и Джорджо Моранди.
   Абстракционизм (удаление, отвлечение) – направление нефигуративного искусства, отказавшегося от приближенного к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма – достижение «гармонизации», создание определенных цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Родоначальниками абстракционизма в искусстве XX столетия принято считать Василия Кандинского.
   Супрематизм (наивысший) – система абстрактной живописи. Основоположник – Казимир Малевич. Наивысшим воплощением идей динамического супрематизма явился выставленный им в 1913 году на обозрение публики «Черный квадрат». «Черный квадрат» – это конец искусства. Это предел, к которому оно вплотную приблизилось в XX веке, и выйти за который уже не сможет никогда. В своих теоретических работах Малевич говорит, что в супрематизме «о живописи не может быть и речи, живопись давно изжита и сам художник – предрассудок прошлого». Простой черный квадрат, написанный на белом фоне, стал самым радикальным проявлением абстракционизма в живописи за всю историю его существования.
   Кубизм – авангардистское направление, зародившееся в начале XX века и характеризующееся использованием подчеркнуто геометризованных условных форм, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы.
   Живопись кубизма старается осуществить творческие цели художников путем детальной проработки объемов и плоскостей, ограничиваясь в возможностях манипуляций с цветами. Основоположники кубизма сделали основой своего творчества разложение объектов на плоскости и различное комбинирование этих плоскостей в пространстве. Художники кубизма отказались от передачи действительности при помощи классической линейной перспективы и цветовоздушной среды, считая, что они смогут добиться интересного художественного эффекта, чередуя плоскости. Один и тот же предмет изображался одновременно с нескольких точек зрения – это позволяло добиться разностороннего анализа рассматриваемого предмета. Предметы на картинах кубизма выглядят более абстрактными и утрачивают связь со своими реальными прототипами. Представители кубизма сознательно ограничивали используемую цветовую палитру, в основном тональность картин кубизма сводится к градациям охры, серым, черным и коричневым тонам. Стиль кубизма оказал громадное влияние на развитие живописи, изменив представление художников о пространстве и способах передачи объема и фактуры. Представители Пабло Пикассо, Жорж Брак, в некоторой степени Малевич, Шагал, Архипенко, Лентулов, Альтман.
   Фовизм – направление во французской живописи конца XIX – начала XX века. Картины оставляли у зрителя ощущение энергии и страсти. К отличительным чертам фовистов принадлежит динамичность мазка, стихийность, стремление к эмоциональной силе. Силу художественного выражения создавал яркий колорит, чистота и резкость, контрастность цветов, интенсивно открытые локальные цвета, сопоставление контрастных хроматических плоскостей. Для фовизма характерно резкое обобщение пространства, объема и всего рисунка, сведение формы к простым очертаниям при отказе от светотеневой моделировки и линейной перспективы. Лидерами направления можно назвать Анри Матисса и Андре Дерена.
   Сюрреализм (сверхреализм) – новое направление в живописи, сформировавшееся к началу 1920-х во Франции. Отличается использованием аллюзий и парадоксальных сочетаний форм. Основное понятие сюрреализма, сюрреальность – совмещение сна и реальности. Нежелание видеть отличия сна и реального мира, причудливые линии, абстрактный взгляд на действительность сопровождались почти реалистичным изображением.
   Причудливо переплетая реальность и вымысел, порожденный больным (или лишь кажущимся больным) воображением, щедро приправленный аллюзиями и реминисценциями, стиль «сюрреализм» представляет собой интереснейшее явление в искусстве в начале XX века. Сюрреализм оказал громадное влияние не только на живопись, но и на культуру в целом. Эстетика сюрреализма трансформировалась в такие современные течения, как фантастический реализм, виженари арт и мок-сюрреализм.
   Одними из величайших представителей сюрреализма в живописи стали Сальвадор Дали, Макс Эрнст и Рене Магритт.
   Модерн (современный) – художественное направление в искусстве, больше популярное во второй половине XIX – начале XX века. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям, расцвет прикладного искусства. Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека. Благодаря модернизму художник вышел за рамки традиционного реализма. Основные черты модернизма заключаются в том, что художник направляет свою субъективную волю на борьбу с жестокой реальностью. В живописи в этом направлении работали М.А. Врубель, А.Н. Бенуа, Альфонс Муха, Станислав Выспяньский, Николай Рерих.
   В 2009 году был проведен опрос изданием «The Times», который выявил, что самым знаменитым живописцем ушедшего столетия современники считают испанского кубиста Пабло Пикассо. На самом деле, согласно мнению искусствоведов, общий фонд продаж: произведений Пабло Пикассо – самый большой на сегодняшний день в финансовом подсчете. Художник особенно запомнился современникам по пронзительной работе «Герника», написанной после разгрома немецкими самолетами испанской малой родины Пикассо. Картина стала обобщающим образом двадцатого столетия – трагического и тяжелого, динамичного и часто находящегося на грани абсурда.

Винсент Ван Гог
1853 – 1890

   Всемирно известный нидерландский художник-постимпрессионист.
   Винсент Ван Гог родился 30 марта 1853 года в деревушке на юге Нидерландов, недалеко от бельгийской границы. Отцом Винсента был Теодор Ван Гог, протестантский пастор, а матерью – Анна Корнелия Карбентус, дочь переплетчика и продавца книг из Гааги. Домашние помнили Винсента как своенравного, трудного и нудного ребенка со «странными манерами», что было причиной его частых наказаний. В 1864 году его отправили в школу-интернат в Зевенберген, 20 км от родного дома. Отъезд из дома причинил много страданий Винсенту, он не мог забыть этого, даже будучи взрослым.
   Ван Гог в 1869 – 1876 годах служил комиссионером фирмы по торговле произведениями искусства и путешествовал по Европе, в 1876 году был учителем в Англии. С мая 1877 года по октябрь 1880 года обучался в миссионерской школе около Брюсселя и занимался проповеднической деятельностью среди горняков Боринажа в Бельгии, где, осознав свое художественное призвание, начал систематически рисовать. Отсюда выезжал в Брюссель, жил в Эттене, Гааге в 1882 – 1883 годах (где пользовался советами А. Мауве), Нюэнене, а также в Антверпене в 1885 – 1886 годах, где посещал классы Академии художеств и частную школу рисунка, изучал живопись старых мастеров.
   Картины этого периода написаны в темной живописной гамме, отмечены болезненно-острым восприятием людских страданий и чувства подавленности, художник воссоздавал в них гнетущую атмосферу психологической напряженности.
   В 1886 – 1888 годах Ван Гог жил в Париже, посещал престижную частную художественную студию знаменитого на всю Европу педагога П. Кормона, изучал живопись импрессионизма, японскую гравюру, синтетические произведения Поля Гогена. В этот период палитра Ван Гога стала светлой, исчезли землистого оттенка краски, появились чистые голубые, золотисто-желтые, красные тона, характерный для него динамичный, как бы струящийся мазок. Интерес к проблемам колорита, выразительной экспрессии мазка усиливается у Ван Гога под влиянием знакомства с живописью импрессионистов, теорией дополнительных цветов пуантилистов.
   В это время в портретном творчестве Ван Гога преобладают автопортреты (около 23). Они отражают его изменчивую внутреннюю жизнь, череду самопознания.
   В 1888 году Ван Гог переехал в Арль, где окончательно определилось своеобразие его творческой манеры. Пламенный художественный темперамент, мучительный порыв к гармонии, красоте и счастью и одновременно страх перед враждебными человеку силами, находят воплощение то в сияющих солнечными красками юга пейзажах, то в зловещих, напоминающих ночной кошмар образах; динамика цвета и мазка наполняет одухотворенной жизнью и движением не только природу и населяющих ее людей.
   В одном из писем Ван Гог пишет: «Меня больше не мучат сомнения, я без колебаний берусь за работу, и моя уверенность в себе все больше возрастает. Какая здесь природа!.. Итак, теперь у меня три картины, изображающие сад, что напротив моего дома; затем два «Кафе» и «Подсолнечники», портрет Боша и мой автопортрет; затем красное солнце над заводом, грузчики песка, старая мельница. Как видишь, даже если оставить в стороне остальные этюды, работа проделана немалая. Зато у меня сегодня окончательно иссякли краски, холст и деньги. Последняя моя картина, написанная с помощью последних тюбиков краски на последнем куске холста, – зеленый, как и полагается, сад – сделана одним чистым зеленым цветом с небольшой прибавкой прусской зелени и желтого хрома».
   Из всех тем и жанров изобразительного искусства, которые были затронуты Винсентом, наибольшее внимание от него досталось именно пейзажу. Ван Гог любил природу живой, горячей, страстной, прямо таки внеземной любовью, бесконечно далекой от холодного и утилитарного отношения его современников. Только Ван Гог, сильный как ураган, и наивный, как дитя, мог написать такие поля, такие звезды, такое небо и такие деревья.
   Творчество двух последних лет жизни художника отмечено экстатической одержимостью, предельно обостренной экспрессией цветовых сочетаний, резкими сменами настроения – от исступленного отчаяния и мрачного визионерства до трепетного чувства просветления и умиротворения.
   Ван Гог прожил всего 37 лет, из которых лишь последние семь с небольшим были посвящены живописи. Однако его творческое наследие поразительно. Это около тысячи рисунков и почти столько же картин, созданных в результате вулканических творческих извержений, когда в течение долгих недель Ван Гог писал по одной-две картины ежедневно.
   Напряженная работа и разгульный образ жизни Ван Гога (злоупотреблял абсентом) в последние годы привели к появлению приступов психической болезни. Его здоровье ухудшалось, и в итоге он оказался в клинике для душевнобольных в Арле. Выйдя на прогулку с материалами для рисования, выстрелил в себя из пистолета в область сердца. Пистолет он купил для отпугивания птичьих стай во время работы на пленэре. Затем раненый самостоятельно добрался до лечебницы, где, спустя 29 часов после ранения, скончался от потери крови. Это было 29 июля 1890 года.
   Сразу же после смерти имя Ван Гога стало упоминаться все чаще как имя одного из самых значительных художников XIX века. Картины человека, который всю жизнь провел в полунищенском существовании, стали цениться все больше и больше, вскоре взлетев в цене до головокружительных высот, а имя Ван Гога стало частью поп-культуры.

Картина «Красные виноградники в Арле»
написана в 1888 году

   Картина написана во время пребывания Ван Гога в городке Арль на юге Франции. Небольшой период жизни там (с февраля 1888 года по май 1889 года) считается самым продуктивным в жизни художника. К нему приехал Гоген, и Винсент мечтал о создании поселения художников, возглавить которое должен был его друг. Ван Гог вдохновлялся окружающими пейзажами, видами городской и сельской местности. В ноябре 1888 года он писал своему брату Тео: «Ах, почему тебя не было с нами в воскресенье! Мы видели совершенно красный виноградник – красный, как красное вино. Издали он казался желтым, над ним – зеленое небо, вокруг – фиолетовая после дождя земля, кое-где на ней – желтые отблески заката». В этом же месяце были написаны «Красные виноградники в Арле», изображающие сбор винограда в окрестностях аббатства Монмажур. У Ван Гога этот пейзаж приобретает характер притчи. Люди, собирающие урожай, становятся символом жизни, представленной художником как тяжелый ежедневный труд.
   Долгое время необоснованно считалась единственной проданной при жизни художника его живописной работой.

Картина «Ночное кафе»
написана в 1888 году

   Ван Гог хорошо знал «ночную жизнь» и подобные заведения. В своем письме к брату Тео он писал об идее этой картины: «В «Ночном кафе» я попытался изобразить место, где человек губит самого себя, сходит с ума или становится преступником. Я хотел выразить пагубную страсть, движущую людьми, с помощью красного и зеленого цвета».
   Картина была названа одним из шедевров Ван Гога и получила высокую оценку критиков. В отличие от импрессионизма, в этой картине художник не восхищается красотой природы или состояния, Ван Гог передает свои эмоции и чувства, в том числе и с помощью цветового решения. Картина проникнута теплыми цветами с преобладанием желтого, который передает душную и прокуренную атмосферу заведения. Зеленый цвет потолка и бильярдного стола скорее передает болезненное ощущение, дополняет картину обилие красного – цвета тревоги и страсти. Стиль, в котором выполнена эта работа Ван Гога, позже будет назван экспрессионизмом.
   В сентябре 1888 года Ван Гог три ночи подряд работал над картиной, а спал при этом днем.
   Позже он повторил работу в акварели, работа в настоящее время находится в частной коллекции.

Анри де Тулуз-Лотрек
1864 – 1901

   Французский художник-постимпрессионист, мастер графики и рекламного плаката.
   Анри де Тулуз-Лотрек (граф Анри Мари Раймон де Тулуз-Лотрек-Монфа) родился 24 ноября 1864 года в аристократической семье. В детстве, дважды упав с лошади, сломал обе ноги и на всю жизнь остался калекой. Ноги прекратили расти и оставались длиной 70 сантиметров на протяжении всей жизни художника. Скорее всего, кости медленно срастались и рост конечностей остановился по причине наследственного заболевания – бабушки Анри приходились друг другу сестрами. Этот физический недостаток наложил отпечаток на дальнейшую жизнь художника. Единственный вид спорта, который был под силу художнику, – это плавание.
   После развода родителей в 1868 году Анри жил в имении Шато-дю-Боск и в поместье Селейранов недалеко от Нарбонна. Анри де Тулуз-Лотрек на протяжении всей жизни был близок с матерью, которая стала главным человеком в его жизни, особенно после трагичных случаев, подорвавших здоровье художника. Отец в обществе был известен как эксцентричная личность, часто менял место жительства, отчего пострадало образование Анри. Однако именно благодаря отцу, который любил развлечения, Анри с ранних лет познакомился с ежегодной ярмаркой и цирком. Впоследствии тема цирка и развлекательных, увеселительных заведений стала основной в творчестве художника.
   На ранних работах художника изображены в основном его близкие друзья и родственники. Картины написаны с использованием импрессионистической техники, но стремление мастера максимально правдиво, иногда даже беспощадно, передать индивидуальную характеристику каждой своей модели говорит о принципиально новом понимании им образа человека. В дальнейшем Тулуз-Лотрек совершенствует способы и методы передачи психологического состояния моделей, сохраняя при этом интерес к воспроизведению их неповторимого облика.
   Лотрек вдохновлялся искусством импрессионистов, в особенности творчеством Поля Сезанна, Эдгара Дега, и японскими гравюрами. В 1882 году приехал в Париж, а в 1884 году обосновался на Монмартре, где прожил до конца своих дней. В 1882 году Лотрек учился у Леона Бонка и Фернана Кормона, но оба учителя были привержены академизму и не оказали большого влияния на его творчество. Художник создал собственный оригинальный стиль.
   Лишенный нормальной, традиционной жизни, Тулуз-Лотрек жил полностью своим искусством. Монмартр – центр развлечений, кабаре и богемной жизни, которую художник полюбил рисовать. Цирки, кабаре и танцевальные клубы, бордели – вся ночная жизнь Парижа того времени нашла яркое отражение на холстах и литографиях.
   Сам Тулуз-Лотрек также был частью парижского полусвета. Он сидел в переполненном ночном клубе или ресторане, наблюдал, делал зарисовки. А на следующее утро, в своей студии, по эскизам создавал великолепные картины. Часто рисовал проституток и жизнь монмартрских кабаре, вел соответствующий образ жизни.
   С 1889 по 1897 год Лотрек ежегодно выставлялся в «Салоне независимых» (за исключением 1896 года). На первой выставке картины «Мулен де ла Галетт», «Портрет Фуркада» и «Женский портрет» были отмечены критикой.
   Самой яркой темой творчества Тулуз-Лотрека стало кабаре Мулен-Руж в 1890-е годы. На его картинах и афишах можно увидеть популярных артистов того времени – Жанну Авриль, Ла Гулю, Валентина Бескостного.
   Сатирический взгляд художника на мир театра, ночных кафе, артистической богемы Парижа и опустившихся завсегдатаев притонов находит свое выражение в гротесковом преувеличении, которым он пользуется при написании таких картин, как «Танец в Мулен-Руж».
   Лотрек одним из первых всерьез занялся рисованием афиш. Плакат позволял ему использовать уроки, извлеченные им из произведений японцев и Дега, отвечал его художественному кредо – писать как можно лаконичнее и непосредственнее и использовать в своих произведениях неожиданные композиционные приемы.
   В новой технике, тонкостями которой Лотрек овладел достаточно быстро, художник исполнил около пятисот черно-белых и цветных эстампов, постоянно совершенствуя мастерство. Тулуз-Лотрек был одним из первых художников, поднявших жанр плакатов и афиш на невиданную высоту. Его «афишное» творчество – это сочетание сплошных заливок цвета с четким контуром, динамической перспективой и элементами модерна.
   В 1892 году Лотрек принял участие в Выставке импрессионистов и символистов у де Бутвиля. В следующем году его картины заняли лучшее место на выставке у Буссо и Валадон на бульваре Монмартр.
   Начиная с 1894 года, художник много путешествует. Он посещает Брюссель, Лиссабон, Лондон, Мадрид, Сан-Себастьян, Бурж, Толедо, Голландию. Лотрек принимает участие в Салонах Свободной эстетики в Брюсселе, участвует в выставке плаката в «Рош Аквариум» в Лондоне, выставке «Салона ста».
   Всю свою жизнь Тулуз-Лотрек много пил. И со временем напряженная работа, распутный образ жизни и пьянство подорвали его здоровье.
   В 1900 году Лотрек вошел в состав жюри плакатной секции Выставки столетия, а также юбилейной выставки литографии. Вернувшись в Париж в 1901 году, он успел привести в порядок мастерскую и 15 июля уехал домой.
   Парализованный, Тулуз-Лотрек, большой художник ночной жизни Парижа, скончался на руках матери, не дожив до 37 лет 9 сентября 1901 года в родовом замке Мальроме.
   При жизни критика была в основном настроена недоброжелательно по отношению к художнику и его творчеству. Признание к Лотреку пришло через несколько лет после его смерти.

Картина «Танец в Мулен-Руж»
написана в 1889 – 1890 годах

   Доски пола как бы ведут взгляд зрителя от фигур переднего плана к персонажам, заполняющим задний план и наблюдающим за тем, как танцор Валентин (по прозвищу «Бескостный») обучает начинающую танцовщицу. Эти зрители вытянуты по полотну наподобие фриза. Оставляя промежуток на переднем плане картины, Тулуз-Лотрек делает зрителя участником происходящего, вводя его в пространство полотна. Крайняя слева фигура мужчины частично срезана границей холста – этим усиливается ощущение того, что перед нами выхваченная из гущи жизни сценка и что действие, развернувшееся перед нашими глазами, продолжается и за пределами картины.

Афиша кабаре Мулен-Руж
танцовщицы Ла Гулю, 1891 год

   Лотрек очень обрадовался предложению. Для него, человека, который так стремился покорить публику – ведь он не упускал ни единой возможности выставить свои произведения и как раз в тот год выставлялся в Салоне свободного искусства, – это был заманчивый случай. Лотрек горячо взялся за новую работу. Теперь в центре его внимания была Ла Гулю, которую он изобразил в профиль, танцующей на фоне зрителей. У Ла Гулю танец был проявлением чувственности, звериных инстинктов, выражаемых в ритме, что и создало ей порочную славу. На первом плане он изобразил Валентина, противопоставив его серый и длинный силуэт округлостям форм белокурой эльзаски. Лотрек, которого всегда в первую очередь притягивали индивидуальности, решил рассказать о звездах представления, воплощавших в себе всю его суть, подчеркнуть их значение, их роль в спектакле, что в те времена признавали лишь немногие. Ведь нередко даже к лучшим артистам относились как к бродячим комедиантам.
   В конце сентября 1891 года афиша была расклеена по Парижу и произвела огромное впечатление. Она поражала своей силой, свежестью композиционного решения, мастерством, броскостью. Рекламные экипажи, которые разъезжали по Парижу с этой афишей, осаждала толпа любопытных. На следующий день о Лотреке уже знал весь город.

Афиша кабаре Мулен-Руж
танцовщицы канкана Джейн Авриль

   Он без конца писал ее, очарованный ее своеобразным лицом, сдержанным и потому, как это ни странно, особенно привлекательным, придававшим ей волнующий шарм, порочный, как уверяли некоторые, или же, как его остроумно определил Артур Саймоне, – шарм «развращенной девственницы». Лотрек написал ее исполняющей сольный танец, с поднятой ногой.

Картина «Джейн Авриль, выходящая из Мулен Руж»
написана в 1892 году

   Джейн Авриль – ее звали также Ла Меленит – совершенно не походила на других танцовщиц и очень привлекала Лотрека. Она была незаконнорожденной дочерью итальянского аристократа и бывшей дамы полусвета Второй империи. В детстве она настрадалась от грубости своей матери, неуравновешенной и извращенной женщины, внешнее обаяние которой не могло скрыть даже от любовников ее раздражительный, жесткий характер. Она посылала девочку по дворам петь и просить милостыню. Не выдержав, Джейн убежала из дома, и этот первый ее побег закончился в больнице Сальпетриер, в отделении Шарко, где ее лечили от нервного потрясения. После этого девочку вернули матери, которая стала толкать ее на проституцию. В семнадцать лет Джейн снова сбежала и уже не вернулась, сохранив на всю жизнь отвращение «ко всему низкому, вульгарному и грубому». У нее были покровители, но она никогда не продавала себя и заводила романы только с теми, кто ей нравился. Музыка и танец стали ее убежищем. Сначала она работала наездницей на ипподроме на авеню Альма, потом кассиршей на Всемирной выставке 1889 года, затем пришла в Мулен Руж, где ее очень тепло приняли.
   Лотрек тоже испытывал дружеские чувства к этой болезненной, впечатлительной молодой женщине снесчастным лицом, бирюзовыми глазами, попавшей в толпу девок, которые называли ее Безумная Джейн. Они считали ее чужой. Она разбиралась в картинах и книгах, у нее был хороший вкус. Ее утонченность, изысканность, культура, одухотворенность выделяли Джейн среди товарок по Мулен Руж, которые ненавидели ее за это. Все это привлекало Лотрека, за многие годы насмотревшегося на вульгарность и невежественность.
   На картине Джейн, закутавшись в широкое манто, засунула руки в карманы. Художник уделяет особое внимание болезненному, задумчивому, странно-грустному лицу этой женщины, которую одни посетители кабаре считали морфинисткой, другие – немножко свихнувшейся девушкой из порядочной английской семьи.
   Лотрек был так прельщен Джейн Авриль потому, что в ней его интересовала не танцовщица, а ярко выраженная личность, а необычные характеры всегда привлекали художника.

Поль Гоген
1848 – 1903

   Французский живописец, скульптор-керамист и график, крупнейший представитель постимпрессионизма.
   Поль Гоген (Эжен Анри Поль Гоген) родился в Париже 7 июня 1848 года. Его отец, Кловис Гоген, был журналистом, мать, Алина Мария, была родом из Перу из богатой семьи.
   После переворота 1851 отец с семьей вынужден был эмигрировать, но вскоре умер. До семилетнего возраста Гоген жил в Перу и воспитывался в семье матери, происходившей из знатного перуанского рода. Впечатления детства, экзотическая природа, яркие национальные костюмы, беззаботная жизнь в поместье дяди в Лиме остались в его памяти на всю жизнь, сказавшись в неуемной жажде путешествий, в тяге к тропикам.
   Полю было 7 лет, он с матерью возвращается во Францию и селится в Орлеане со своим дедом. Гоген быстро выучивается французскому языку и начинает преуспевать в образовании. В 20 лет он на 2 года уходит служить во флот. В 1871 году Гоген возвращается в Париж, где получает должность биржевого брокера.
   Он присутствовал на первой выставке импрессионистов 1874 года, и был восхищен их работами. Финансовое положение позволило Гогену собрать неплохую коллекцию произведений Моне, Писсарро, Ренуара.
   В 1873 году Гоген женился. Его избранницей оказалась датчанка Мэтт-Софи Гад. В последующие десять лет положение Гогена в обществе укреплялось. У него появился комфортабельный дом в пригороде Парижа, любимая жена родила ему пятерых детей. В свободное время Гоген много времени уделяет своему хобби – живописи. Затем Гоген стал сам пробовать писать.
   Гоген не получил систематического художественного образования, не считая немногих уроков, которые ему дал Писарро, с которым художник познакомился в 1877 году. Он стал рисовать регулярно и, в конце концов, выставлялся на выставках импрессионистов в 1881 и 1882 годах.
   В 1884 году Гоген переехал с семьей в Копенгаген, где продолжал работать брокером. Однако он до того увлекся живописью, что стал отдавать ей все свое время. Он оставил жену и пятерых детей в Дании и возвратился в Париж в 1885 году, чтобы целиком посвятить себя искусству. Первые его произведения носят подчас подражательный характер. На выставке в 1886 года он экспонирует 19 полотен, многие из которых произвели впечатление.
   Со второй половины 1880-х годов Гоген становится одним из наиболее значительных художников постимпрессионизма. Мощный творческий темперамент, убежденность в своей правоте – все это выдвинуло Гогена в лидеры. В 1886 году Гоген отправляется в Бретань (Понт-Авен), где становится идейным вдохновителем и наставником группы молодых художников.
   Духовные поиски сближают Гогена с символизмом. Он видит задачу художника в том, чтобы проникнуть в тайную суть, сокровенный смысл явления и раскрыть его миру.
   В 1887 году Гоген, испытывая потребность в уединении и гармонии с природой, уезжает из Франции в Панаму, где наблюдает строительство Панамского канала, а оттуда на Мартинику. Остров Мартиника, куда Гоген уехал вместе с художником Лавалем, с которым он познакомился в Бретани, помог совершить в творчестве мастера эволюцию, сделав заметными в его работах японские влияния. В 1888 году он вернулся в Бретань. В 1888 году некоторое время жил у Ван Гога в Арле и работал с ним. Пребывание закончилось ссорой, связанной с одним из первых приступов помешательства у Ван Гога.
   Гоген пришел к новому стилю в изобразительном искусстве – синтетизму, характеризующемуся локальными цветами, отсутствием светотени и четким контуром.
   Испытывая с детства тягу к экзотическим местам и считая цивилизацию «болезнью», Гоген, жаждущий «слиться с природой», в 1891 году уезжает на Таити, где проживает в Папеэте и где в 1892 году написал целых 80 полотен.
   На Таити он надеется найти воплощение своей мечты о золотом веке, о жизни в гармонии с природой и людьми; но и здесь его не оставляют тревоги, заботы, болезни. Здесь его талант обретает удивительную мощь, здесь были созданы самые прославленные его полотна, изображающие свободных прекрасных людей, живущих в единстве с щедрой благожелательной природой. Он пишет таитянок то на фоне раскаленного песка, розоватые тона которого оттеняют янтарно-смуглые тела женщин («А, ты ревнуешь?», 1892 год), то среди тропической зелени («Таитянка с плодом манго», 1892 год). Таитянские полотна праздничны по цвету, уподобляясь ярким декоративным панно («Таитянские пасторали», 1892 год).
   После кратковременного (1893 – 1895 годы) возвращения во Францию, из-за болезни и отсутствия средств он навсегда уезжает в Океанию – сначала на Таити, а с 1901 года на остров Хива-Оа (Маркизские острова), где берет себе в жены молодую таитянку и работает в полную силу: пишет пейзажи, рассказы, работает журналистом. На этом острове он и умирает. Несмотря на болезни (в том числе проказу), бедность и депрессию, приведшую его к попытке самоубийства, лучшие свои работы Гоген написал именно там. Поразительные образы полинезийских женщин, созданные Полем Гогеном, являются одними из красивейших картин современности.
   9 мая 1903 года нищий, больной и одинокий Гоген умирает на Маркизских островах во Французской Полинезии.
   Слава пришла к художнику после смерти, когда в 1906 году в Париже было выставлено 227 его работ.
   Полотна Гогена, по декоративности цвета, плоскостности и монументальности композиции, обобщенности стилизованного рисунка подобные панно, несли многие черты складывавшегося в этот период стиля модерн. Его работы оказали влияние на творческие поиски живописцев начала XX века.

Картина «Желтый Христос»
написана в 1889 году

   В 1889 году Гогену сообщили, что его последние картины не пользуются спросом в Париже. Страшно расстроенный художник, пытаясь выразить свои переживания, написал несколько полотен на тему Страстей Христовых. Христос, напоминающий Гогена, везде изображен на фоне бретонских ландшафатов.
   Страдающий Иисус изображен в окружении трех бретонских крестьянок, одетых в традиционные национальные одежды конца XIX века, на фоне типичного французского сельского пейзажа. Бретонские женщины представляют собой трех Марий, традиционно изображаемых на картинах, трактующих этот сюжет. Меланхолическое настроение здесь подчеркивает осенний ландшафт. Умиротворение, разлитое в воздухе, спокойные, покорные позы женщин, насыщенный «солнечным» желтым цветом ландшафт с деревьями в красной осенней листве, крестьянин, занятый вдали своими делами, не могут не входить в конфликт с тем, что происходит на кресте. Они резко контрастируют с Иисусом Христом, на лице которого отображается та стадия страдания, которая граничит с апатией, безразличием ко всему его окружающему. Противоречие безграничных мук, принимаемых Христом, и «незамечаемость» этой жертвы людьми, не считая горстки последователей; стремление художника понять и изобразить, а значит, попытаться ответить как живописец на главные религиозно-философские вопросы – все это сближает Гогена с другими великими мастерами, обращавшимися к «вечной» тематике в своих работах. Картина «Желтый Христос» поразила многих друзей художника.

Картина «А, ты ревнуешь?»
написана в 1892 году

   Полотно создано художником в полинезийский период творчества. В основе картины лежит сцена из жизни, подсмотренная художником и описанная потом в книге «Ноа Ноа»: «На берегу две сестры – они только что искупались, и теперь их тела раскинулись на песке в непринужденных сладострастных позах – беседуют о любви вчерашней и той, что придет завтра. Одно воспоминание вызывает раздоры: «Как? Ты ревнуешь!» Поль Гоген придавал большое значение этому полотну и в письме с Таити другу писал, что это лучшее из того, что он пока сделал.
   Никогда прежде в живописи реальная действительность не была в такой степени использована для чисто эстетического творчества. Здесь в полной мере проявляется символизм Гогена. Цвет становится единственным обоснованием живописи, а художник превращается в творца, наслаждающегося своей собственной игрой.
   Необычное сочетание розового и желтого, красного, серого и разнообразных оттенков зеленого стали основой палитры Гогена во время его первого пребывания на Таити.
   Серьезные и величественные таитянки, их лица и тела настолько поразили своей необычной, отличной от принятых в Европе канонов, красотой воображение художника, что он пишет их почти на всех полотнах этого периода.

Камиль Писсарро
1830 – 1903

   Французский живописец, один из первых и наиболее последовательных представителей импрессионизма.
   Камиль Писсарро (Жакоб Абраам Камиль Писсарро) родился 10 июля 1830 года на острове Сент-Томас (Вест-Индия), в буржуазной семье еврея-сефарда Абрама Писсарро и Рашель Мансано-Помье.
   В 1855 году Писсарро приехал во Францию. С 1855 по 1861 год учился в Школе изящных искусств и в Академии Сюиса в Париже. Его учителями были Камиль Коро, Гюстав Курбе и Шарль-Франсуа Добиньи. Брал частные уроки у И. Даньяна. Основные сюжеты его произведений в этот период – сельские пейзажи, а также виды Парижа. Во время франко-прусской войны 1870 – 1871 годов Писсарро переехал в Лондон. За это время множество его работ, оставленных в Париже, было уничтожено немецкими солдатами, жившими в его доме. Из всего собрания картин и эскизов художника того периода сохранилось всего сорок произведений.
   Писсарро оказал сильное влияние на импрессионистов, самостоятельно выработав многие принципы, легшие в основу их стиля живописи. Он дружил с такими художниками, как Дега, Сезанн и Гоген. Писарро – единственный участник всех восьми выставок импрессионистов.
   Еще в период обучения в Академии начался роман Писсарро с горничной его родителей – Жюли Веллей. Но оформить отношения молодые люди смогли лишь через 10 лет. В семье Писсарро было восемь детей. Двое из них – Жорж и Люсьен – стали художниками.
   Писсарро начинал как ученик Камиля Коро. В этом выборе учителя уже сказалась врожденная любовь художника к пейзажной живописи. Но не меньше внимания в начале своего творческого пути Камиль Писсарро уделяет и рисунку. Уже в ранних работах художник особое внимание уделял изображению освещенных предметов в воздушной среде. Свет и воздух стали с тех пор ведущей темой в творчестве Писсарро.
   Постепенно Писсарро стал освобождаться от влияния Коро, у него созревал собственный стиль. С 1866 года палитра художника становится светлее, доминантой его сюжета становится пространство, пронизанное солнечным светом и легким воздухом, а свойственные Коро нейтральные тона исчезают.
   Работы, прославившие Писсарро, это сочетание традиционных пейзажных сюжетов и необычной техники в прорисовке света и освещенных предметов. Картины зрелого Писарро написаны плотными мазками и наполнены тем физическим ощущением света, выразить которое он стремился.
   После знакомства с Жорж-Пьером Сера в 1890 году Писарро увлекся техникой пуантилизма (раздельного наложения мазков). Но эти работы очень плохо продавались. К тому же то, что хотел передать с помощью этой техники Писсарро, постепенно исчерпало себя и перестало приносить ему художественное удовлетворение. Писарро вернулся к своей обычной манере.
   В последние годы жизни у Камиля Писсарро заметно испортилось зрение. Несмотря на это, он продолжал работу и создал серию видов Парижа, наполненных великолепными художественными эмоциями. Необычный ракурс этих полотен объясняется тем, что художник писал их не на улице, а из гостиничных номеров. Эта серия стала одним из высших достижений импрессионизма в передаче света и атмосферных эффектов и во многом его общеизвестным символом.
   Писсарро писал также акварели и создал немало офортов и литографий. Для литографий он даже купил специальный станок и установил его в своем доме.
   Художник скончался 12 ноября 1903 года в Париже.

Картина «Бульвар Монмартр в Париже»
написана в 1897 году

   Художник написал серию картин с изображением бульвара Монмартр, рассматривая его из одного и того же окна. Вся серия состоит из тринадцати полотен. Предельно ясный и простой мотив уходящей вдаль улицы создает четкую композиционную основу всей серии, не меняясь от холста к холсту. Это сделано намеренно: одна и та же композиция, практически повторяющиеся сюжеты тринадцати картин создают видимость однообразия. Однако различия оттенков, смещение фигур и предметов, игра цветом разрушают эту иллюзию. Таким образом художник передает атмосферу города и делает это в сероватой тональности, свойственной пейзажам Парижа.
   Все импрессионисты стремились передать в своих произведениях непосредственное впечатление от окружающей среды, главным образом от современного города с его импульсивной, разнообразной жизнью. Писсарро в своих пейзажах открывает современный город. Ему нравится Париж с его непрекращающимся и всеобщим движением – бегом экипажей, ходьбой пешеходов, струящимися потоками воздуха и игрой света.
   В его пейзажах город – это не перечень достопримечательностей, а живой, беспокойный и многоликий организм. Захваченные биением его пульса, зрители не осознают банальности строений его улиц.

Картина «Площадь Французского театра»
написана в 1898 году

   Художника очень заботит композиционная слаженность в каждой картине. Например, в последней работе серии, чтобы уравновесить пышную крону правого каштана, он в левой части картины приоткрывает кусок площади и вводит туда два переполненных омнибуса и очередь.
   Подчиняясь ритму, заданному весенней листвой буйно распустившихся деревьев, он расставляет повсюду фигуры прохожих и экипажи. Молодая зелень в ласковом свете пленительного утра определила весь колорит этого пейзажа.

Поль Сезанн
1839 – 1906

   Французский художник-живописец, яркий представитель постимпрессионизма.
   Сезанн родился в Экс-ан-Провансе 19 января 1839 года. Он был единственным сыном властного отца и вырос в тихом тенистом Экс-ан-Провансе, под Марселем.
   В детстве Сезанн имел слабое представление о хорошей живописи. С ранних лет Сезанн тянулся к искусству, но не имел, на первый взгляд, никаких ярко выраженных дарований. Его образование вполне соответствовало традиции и общественным и религиозным требованиям времени. Сезанн учился хорошо, если не блестяще, и получил немало наград по математике, латинскому и греческому языкам. На протяжении всей последующей жизни он с увлечением читал классических авторов, писал латинские и французские стихи. Рисование было обязательным предметом и в школе Святого Жозефа, и в Коллеж Бурбон, а с 15 лет он начал посещать свободную академию рисунка. Однако ежегодного приза по рисованию в коллеже Сезанн никогда не получал – его в 1857 году удостоился лучший друг юного Поля Эмиль Золя. Эта дружба длилась почти всю жизнь. Дружба Золя и Сезанна была, без сомнения, важна для них обоих. Во многом под влиянием Золя Сезанн выбрал путь художника.
   В 1861 году Сезанн отправился в столицу и начал посещать Ателье Сюисс, мастерскую, предоставлявшую натурщиков, но не проводившую никакого обучения. Прожив в Париже пять месяцев, Сезанн все же вернулся в Экс. «Я думал, – писал он другу, – что, уехав из Экса, я избавлюсь от скуки, преследовавшей меня. На самом деле я только переменил жилище, а скука осталась при мне».
   В 1862 году он вернулся в Париж. Его живопись того времени оценивали как «буйную». К этому времени он утратил склонность и интерес к академической живописи и продолжал занятия в Ателье Сюисс. Ему исполнилось 23 года, и он был в самом начале пути. Сезанн, подчиняясь буйному воображению, начал писать картины, сюжетами которых стали страсть, чувственность, смерть.
   Сезанн пошел своим, особым путем, продиктованным его личными особенностями. Его заинтересовали не изменчивость, а устойчивость сочетаний цветов и форм в природе. Он стал как бы импрессионистом наоборот. Если импрессионисты искали бесчисленные варианты изменений, и временное, мгновенное в их работах заняло ведущее место, Сезанн искал вечное, то, что не подчиняется времени, и остается всегда таким же. Пока его современники Писсарро или Моне писали идиллические виды парижских окрестностей, он создавал эротические и часто страшные полотна, которые смущали и беспокоили его друзей. После сближения с импрессионистами Сезанн часто пишет картины на пленэре, то есть на природе.
   В этот период Сезанн еще работает в манере импрессионистов, в живописи которых главным была динамика изображения свето-воздушной среды. Его палитра заметно посветлела, очистилась от черных тонов. В ней зазвучали насыщенные зеленые и золотистые тона. Отказавшись от построения формы с помощью контуров, Сезанн начал лепить ее цветом, от чего форма сделалась более пластичной и весомой. В 1874 и 1877 годах Сезанн выставляется вместе с импрессионистами.
   На Сезанна нападали еще яростнее, чем на других художников-импрессионистов. Он отошел от группы, постепенно уединился, стал подолгу жить в Эксе. «Я решил молча работать вплоть до того дня, когда почувствую себя способным теоретически обосновать результаты своих опытов», – писал художник. Иллюзорная передача природы и нюансов освещения уже не удовлетворяет Сезанна. Художник стремится показать мир объективно. Он хочет передать постоянные качества природы, найти и запечатлеть на холстах тот извечный порядок и гармонию мироздания, которые он не находил в разрываемой противоречиями социальной действительности своего времени. На смену импрессионистическому «изображаю как вижу» приходит сезанновское «изображаю как есть». Начинается самый плодотворный период Сезанна – «классической живописи». Между 1882 и 1888 годами внимание его в основном сосредотачивается на пейзаже, в котором художник стремится передать свои ощущения.
   Когда в 1870 году началась война с Пруссией, отец дважды «выкупал» Поля, спасая от призыва в армию. Художник уезжает в Эстак, неподалеку от Марселя. Здесь он живет с молодой натурщицей Гортензией Фике. В 1872 году у них рождается сын Поль. «Брак долгое время держали в секрете от отца. Лишь в 1878 году последний случайно узнал все и наказал сына, наполовину уменьшив средства, которые давал ему на жизнь. Сезанн был вынужден вернуться в Экс, временно оставив жену и маленького сына в Марселе, где их поддерживал, посылая деньги, Золя. Лишь в 1886 году художник смог официально оформить брак с Гортензией Фике. А несколько месяцев спустя, после смерти отца, он стал обладателем значительного состояния.
   В 1870-е годы начинается серия автопортретов. Совмещение разных точек зрения на объект при его изображении – излюбленный прием Сезанна.
   В отличие от импрессионистов, любивших изображать прогулки и пикники на природе, у Сезанна никогда в ландшафтах не видно людей; его многочисленные пейзажи, исполненные в Понтуазе, пустынны; более того, в желто-охристых кристаллах домов словно не подразумевается жизнь; это некие саркофаги духа среди пышной южной растительности. Природа выступает сама по себе, как могучая и полная скрытой энергии сила. Характерно, что в это время Сезанн начал интересоваться геологией. Частым мотивом его пейзажей становится с 1880-х годов гора Сент Виктуар, видная из окон и с террасы его мастерской в пригороде Экса, где художник жил до конца жизни, получив прозвище «отшельник из Экса».
   На рубеже 1880 – 1890 годов Сезанн все больше увлекается фигурными жанрами. Композиция «Пьеро и Арлекин» сюжетно посвящена празднику «марди гра» – последнему дню карнавала перед постом. Пять вариантов композиции «Игроки в карты» инспирированы картиной Караваджо на такую же тему из местного музея. В середине 1890 годов Сезанн начинает работать над портретами, которые требовали многочисленных сеансов (порой до ста) и все же оставались незавершенными. Многие холсты позднего Сезанна остались незаконченными, в том числе и его итоговая композиция «Большие купальщицы», призванная завершить большой цикл и ритмически строго выверенная. Сезанн писал свои обнаженные натуры по воображению, фигуры его часто деформированы, экспрессивны, поставлены в надуманные позы и группы.
   Слава приходит к Сезанну в конце жизни. В Экс начинается паломничество художников, коллекционеров и критиков. На картине «В честь Сезанна» Морис Дени изображает вокруг мастера молодых художников, которые восхищаются им: это сам Дени, Редон, Руссель, Серюзье, Вюйяр.
   В своем творчестве художник попытался ценой титанических усилий примирить классику и современность. Задача, которую ставил перед собой Сезанн, была в принципе невыполнимой, что и предопределило постоянные сомнения художника. Невозможно одновременно утверждать и свободу, и каноны. Но те конкретные художественные результаты, которых достигал в своем творчестве Сезанн, были настолько впечатляющими, что вызывали уважение у представителей самых разных направлений в живописи.
   В начале XX века Сезанн создает свою знаменитую теорию, по которой во многом пойдет развитие авангардного искусства. Нужно вернуться к классицизму через природу, иначе говоря, через ощущение. В природе все лепится на основе шара, конуса и цилиндра. Рисунок и цвет неразделимы, по мере того как пишешь – рисуешь: чем гармоничнее делается цвет, тем точнее становится рисунок. Когда цвет достигает наибольшего богатства, форма обретает полноту. Контрасты и соотношения тонов – вот весь секрет рисунка и моделировки. В натюрмортах, пейзажах, портретах стремился выявить с помощью градаций чистого цвета, устойчивых композиционных построений неизменные качества предметного мира, его пластическое богатство, логику структуры, величие природы и органическое единство ее форм.
   Сезанн оставался фанатиком живописи до своего последнего вздоха. 15 октября 1906 года он простудился, работая на натуре над картиной «Хижина Журдина». 22 октября Сезанн скончался.
   Художественное наследие Сезанна составляет больше 800 работ маслом, около 350 акварелей и такое же количество рисунков. Никто не может подсчитать количества работ, уничтоженных, как несовершенные, самим художником за годы своего долгого творческого пути.

Картина «Пьеро и Арлекин»
написана в 1888 году

   Сезанн работал над ней два года, что отнюдь не было для художника редким случаем. Поэтому моделями в работах, затягивающихся на долгое время, обычно были знакомые и родственники художника: никто другой не согласился бы позировать десятки и сотни раз. Конечно, Сезанн после первых сеансов мог бы писать уже по памяти, но художественные принципы Сезанна такой подход начисто отвергали. Художнику нужно было обязательно видеть то, что он пишет.
   Привлекает внимание не «внешний», событийный пласт работы, то есть то, что и кто на ней изображены, а то, как именно это изображено. Это прежде всего странная для линейного подхода неправильность перспективы: фигуры Пьеро и Арлекина существуют словно в разных пространственных измерениях. Персонажи картины идут на праздник вместе, но в художественном пространстве работы как бы разведены в разные системы координат. Это не случайно, но никак при этом не связано с лежащей для постороннего наблюдателя на поверхности идеей людей-марионеток. Сезанн так долго работал над «Пьеро и Арлекином» лишь потому, что хотел ощутить и чувственно воспринять нечто важное для себя. Попытка разгадать особенности формируемого самой природой пространства и привела к изломанности и напряженности движений персонажей картины. Работа, как и многие другие ключевые работы Сезанна, по сути, не закончена. Но законченность вообще была абсолютно несвойственна Сезанну, находившегося в постоянном движении к художественно выраженной истине.

Картина «Мост через Марну в Кретее»
написана в 1888 году

   Здесь Сезанн развертывает пространство в глубину, подчеркивая вместе с тем синтетичность изображения, – отсюда его монументальность. В этом пейзаже достигнуто совершенное равновесие между пустыми и заполненными местами картины, включая отражения, которые, обладая необходимой прозрачностью, тем не менее создают впечатление их объемности. Разнообразие цветов – желтых, красных, зеленых – также включается в общую гармонию контрастов и оттенков синего цвета. Несмотря на различие элементов, в пейзаже полностью достигнуто единство образа, вызывающего представление о совершенстве, силе, уверенности и величии.

Картина «Картежники»
написана в 1890 – 1892 годах

   Самая выдающаяся композиция Сезанна. Он много раз изображал этот мотив с большим или меньшим числом игроков, но, быть может, именно в этой композиции он достиг своей цели. Цветовой эффект основан на контрастах между сине-фиолетовой курткой игрока, сидящего слева, и желтой с синими тенями фигурой игрока справа и на контрасте этих тонов с красными тонами фона и тел с желтым тоном стола. При помощи тысячи нюансов эти тона создают объемность изображений. Их сила и характерность, достоверность действия, крепость общей композиции показывают, что интенсивность цвета не является препятствием для создания единства целого, а напротив, подчеркивает его.

Эдгар Дега
1834 – 1917

   Французский живописец, один из виднейших и оригинальнейших представителей импрессионистского движения.
   Эдгар Дега (Эдгар-Жермен-Илер де Га) родился 19 июля 1834 года в Париже, в обеспеченной семье аристократического происхождения Огюста де Га и Селестины Мюссон. Он был старшим из пятерых детей. В возрасте 13 лет Эдгар потерял мать, что явилось для него серьезнейшим ударом.
   Желание рисовать начало проявляться у Дега уже в детстве. Обеспеченность семьи позволяла ему заниматься живописью, не особо заботясь о пропитании. Не нуждаясь остро в деньгах, Дега мог себе позволить не продавать свои работы и трудиться над ними снова и снова, стремясь к совершенству.
   Эдгар изучал творения великих мастеров живописи в Лувре, за время своей жизни несколько раз посещал Италию (где проживали его родственники по линии отца), где имел возможность знакомиться с шедеврами мастеров Итальянского Возрождения.
   На рубеже 1860-х годов Эдгар Дега открывает собственную мастерскую в Париже. Основой его творчества являлась портретная живопись, но много внимания Дега уделял также историческим полотнам.
   Дега в 1870-е годы сблизился с представителями импрессионизма, обратился к изображению современной городской жизни – улиц, кафе, театральных представлений.
   Во многих произведениях Дега показывает характерность поведения и облика людей, порожденную особенностями их быта, выявляет механизм профессионального жеста, позы, движения человека, его пластическую красоту. Его дар наблюдения, точность и зоркость взгляда были несравненны.
   Искусству Дега присуще соединение прекрасного, порой фантастического, и прозаического: передавая во многих балетных сценах праздничный дух театра, художник, как трезвый и тонкий наблюдатель, одновременно фиксирует скрывающийся за нарядной зрелищностью утомительный будничный труд.
   Маленький, в круглой широкополой шляпе, с насмешливо-грустным взглядом, не терпящий шума, презирающий суету, рекламу и славу, он был склонен к молчаливому одиночеству. С годами его замкнутость стала легендой. И вместе с тем именно он черпал свои темы в самой гуще шумной городской жизни и не раз выслушивал упреки в чрезмерном реализме и «вульгарности» сюжетов.
   В 1861 году Дега знакомится с Эдуардом Мане, дружба с которым продолжалась до конца жизни последнего. Мане познакомил Дега с молодыми живописцами, ставшими впоследствии известными как импрессионисты. В немногочисленных кружках, объединявших художников, Дега обладал безусловно высокой репутацией благодаря своим манерам, тонкой культуре, учтивости, своеобразному, сочетавшемуся с резкостью, обаянию, – все это вызывало к нему известное уважение. С Эдуардом Мане Дега сближает общее неприятие академического салонного искусства. Не принимал он также и стремление импрессионистов работать на открытом воздухе, предпочитая мир театра, оперы и кафешантана. Более того, он не любил пленэр, считая, что на воздухе рассеивается внимание, и безоговорочно отдавал предпочтение управляемой среде студии.
   «Уловленные мгновения» – так, пожалуй, можно было бы выразиться о многих работах Эдгара Дега. В этом его глубокое внутреннее сродство с импрессионистами. Импрессионисты больше внимания обращали на свет (здесь можно вспомнить картины Мане и Моне), Эдгар Дега, в свою очередь больше внимания обращал на движение.
   В 1870 году волна франко-прусской войны докатилась до Парижа. Так же, как и Мане, Дега записался добровольцем в армию. Служил в пехоте и артиллерии. Дега записался добровольцем в пехотный полк, однако на первых же стрельбах обнаружилось, что художник плохо видит правым глазом, – это было началом болезни, которая обернулась в конце жизни почти полной слепотой.
   По окончании войны Дега побывал в Великобритании, затем посетил США.
   В 1873 году художник вернулся в Париж. Для него наступили тяжелые времена: умер его отец, оставив большие долги. Ему пришлось не только продать дом и собранную отцом коллекцию картин старых мастеров, но и впервые задуматься над продажей своих собственных работ. Как нельзя кстати пригодилось знакомство с импрессионистами – Дега участвовал почти во всех их выставках начиная с 1874 года.
   После заключительной выставки импрессионистов в 1886 году художник перестал публично выставлять свои работы, предпочитая продавать написанные им картины по высокой цене через нескольких торговых агентов.
   В середине 1880-х годов Дега начинает использовать пастель. Причиной этому явился прогрессирующий конъюнктивит, которым художник заболел, находясь на военной службе в качестве добровольца при осаде Парижа. Именно в это время он создает свои знаменитые изображения обнаженной натуры. Преклонение перед человеческим телом он выразил в серии пастелей, представляющих женщин за туалетом. Эти восхитительные работы были показаны на восьмой, последней выставке импрессионистов в 1886 году.
   В своих поздних работах, напоминающих праздничный калейдоскоп огней, Дега был одержим желанием передать ритм и движение сцены. Чтобы придать краскам особый блеск и заставить их светиться, художник растворял пастель горячей водой, превращая ее в некое подобие масляной краски, и кистью наносил ее на холст, пока вода не остыла.
   Одна из излюбленных тем Э.Дега – изображение лошадей перед стартом. Для того чтобы лучше передать нервное напряжение людей и животных в этот ответственный момент, он часто посещал скачки в Лоншане и впитывал в себя азартную атмосферу соревнований.
   В живописи импрессионистов Дега занимает особое место, прежде всего из-за той роли, которую играет в творчестве художника рисунок, а кроме того, благодаря характерному для него сочетанию импрессионистического подхода к цвету и пластической определенности формы. Линия и цвет в поздних произведениях художника становятся нераздельным целым. При этом именно цвету – свободной, струящейся, играющей оттенками красочной стихии – принадлежит в работах Дега ведущая роль.
   В личной жизни Дега был одновременно сдержанным и вспыльчивым, случавшиеся с ним временами приступы гнева, как правило, были вызваны опасениями потерять свою независимость. Художник никогда не был женат и не имел детей. Потеряв зрение в 1908 году, он вынужден был отказаться от занятий живописью и последние годы провел в глубоком одиночестве.

Картина «Две гладильщицы»
написана в 1884 году

   На протяжении жизни мастер сохранял стойкое пристрастие к ряду тем, которые способствовали выражению его творческих интересов. Среди них бытовые сцены, главными героинями которых являлись прачки, гладильщицы, продавщицы галантерейных шапок и шляпных салонов. Во всех сюжетах Дега привлекали профессиональные движения и характерность поз. Благодаря этому ему удалось открыть неожиданные декоративные эффекты в сопоставлении фигур и ритмическом взаимодействии силуэтов. Работы, составляющие эту серию, как правило, решались вне бытовой среды, что помогло художнику достичь высокого уровня социального обобщения.
   

комментариев нет  

Отпишись
Ваш лимит — 2000 букв

Включите отображение картинок в браузере  →